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Alfred Stieglitz (1 de enero de 1864 – 13 de julio de 1946) fotógrafo estadounidense, de origen judío-alemán. Durante sus cincuenta años de carrera luchó por hacer de la fotografía una forma de arte al nivel de la pintura y la escultura. Para conseguir esteobjetivo empezó explorando dentro del campo de la fotografía capacidades propias de la pintura (composición, texturas) para después recurrir a elementos propiamente fotográficos (profundidad de campo, efecto de corte fotográfico). Pasó así del pictorialismo a la llamada fotografía directa. A Stieglitz también se le conoce por su matrimonio con la pintora Georgia O'Keeffe..jpg)
"Hay muchas escuelas de pintura. ¿Por qué no ha de haber muchas escuelas de arte fotográfico? Apenas hay un bien y el mal en estos asuntos, pero no es verdad, y que debe constituir la base de toda obra de arte. "- Alfred StieglitzCuando la fotografía se inventó en primer lugar, no se consideró una forma de arte. Una cámara no era más que un nuevo tipo de pincel, sino más bien un instrumento científico, una máquina, sólo para ser utilizado para mostrar repeticiones exactas de lo que ve el ojo humano. No se suponía que se utilizará para crear algo nuevo o diferente, y ciertamente no para expresarse. Era sólo un paso más en el avance de la tecnología. Esta escuela de pensamiento cambió, y cambió rápidamente, en gran medida, en parte, al fotógrafo, Alfred Stieglitz, quien, en el momento, casi sin ayuda llevó la carga de desafiar los límites de la fotografía. Sabía que podría ser algo increíble; algo que podría, literalmente y en sentido figurado, cambiar la forma de ver. Él sabía la fotografía podría ser una forma legítima de arte como la pintura o la escultura y pasó su vida luchando por ella.
Alfred Stieglitz nació en 1864 de padres muy ricos en Hoboken, Nueva Jersey. Era el mayor de seis hijos y era el favorito, y por lo tanto un poco estropeado. Cuando tenía diecisiete años, sus padres vendieron todo y se llevaron a la familia a Alemania, con la esperanza de conseguir una mejor educación para su hijo mayor, algo que sería más difícil el de la escuela pública, que le fue aburrido. Alemania es donde Alfred tomó por primera vez una cámara, diciendo: "La cámara me estaba esperando por la predestinación y me llevó a él como un músico necesita para el piano o un pintor a la lona. Fui a la fotografía realmente un alma libre - y me encantó a primera vista con una gran pasión ".
Stieglitz se consideraba un rebelde, siempre desafiando a sí mismo y de los límites de la cámara. Desde el principio sabía que las posibilidades de fotografía tenía y que estaba decidido a demostrar que para el resto del mundo. Cuando sus padres regresaron a los EE.UU. en 1884, Stieglitz se mantuvo (la asignación generosa proporcionada por su padre le dio una tremenda libertad) para explorar este nuevo mundo que había descubierto, hablar con los artistas y los científicos, y los disparos en toda Europa. No volvería a Estados Unidos por otros seis años, y sólo porque su padre amenazó con cortar financieramente. En ese momento, él se consideraba un artista. No sólo estaba haciendo un nombre por sí mismo como un fotógrafo, sino también como escritor en diversas revistas artísticas.
Sus padres decidieron que era tiempo para él para establecerse, casarse y tener una vida respetable. Stieglitz estuvo en desacuerdo con la idea, pero lo hizo de compromiso y se casó con la hermana de un viejo amigo, Emmeline Obermeyer. Emmeline era un poco más conservador que su nuevo marido y más tarde escribió que él nunca la amó, no era más que un matrimonio de la ventaja financiera para él. Él fue capaz de usar su dinero, sin embargo, para continuar con el estilo de vida que estaba acostumbrado, que se centró en torno a pasar su tiempo con su cámara, no a ella.
En su lucha por la toma de la fotografía una forma de arte, la fotografía primitiva tomó el aspecto de las pinturas populares del día, no sólo utilizando escenas de la calle como su tema principal, pero también imitando el foco suave y ensoñación que se encuentra en las obras de la impresionistas. Este impresionismo fotográfico fue convirtiendo en una tendencia muy popular entre los fotógrafos, la lucha contra el común cree que la fotografía era sólo un mero registro de un momento. Fue un método de creación de una imagen. Pero, a diferencia de los otros fotógrafos en este movimiento pictorialista, Stieglitz utiliza la atmósfera a su alrededor para crear estos efectos, en lugar de trucos de cuarto oscuro. Cosas como la niebla, vapor de un tren, la lluvia y la nieve que cae, todos le ayudaron a conseguir la imagen que quisiera.
En 1902, Stieglitz se encontró cansado de la política de la élite en el mundo del arte que dicta lo que podría ser exhibido y lo que no se pudo y formó su propio grupo de elite, que calificó de "Photo-Secession", explica, "La idea de la secesión es odioso a los estadounidenses - que estarán pensando en la Guerra Civil. No Im. Photo-Secession en realidad significa un separarse de la idea aceptada de lo que constituye una fotografía. "Él, junto con fotógrafos como Edward Steichen, Gertrude Käsebier, y F. Holland Day, armó su propia exposición que consta de imágenes que ellos querían, con no hay restricciones. El espectáculo fue un gran éxito y animó a Stieglitz para comenzar a publicar su propia revista independiente llamada Camera Work.
Camera Work era sólo una de las contribuciones de Stieglitz en el mundo creativo. El objetivo de la revista era en el mundo del arte, no sólo la fotografía. Sí, contenía imágenes hermosas, pero esas imágenes fueron acompañadas por excelentes escritos sobre revisiones fotografía, arte, y el arte. Producido trimestral, Stieglitz tenía la mano en todos los temas, desde el diseño del contenido de los anuncios, de cada fotografía a cada artículo. Él quería que fuera la mejor publicación de su día. Pasó mucho tiempo en esto, su trabajo con la Photo-Secession promoción de otros fotógrafos, y poniendo en exposiciones en la Galería 291 (una pequeña galería que él y Edward Steichen estaban corriendo) que casi había dejado de tomar fotografías a sí mismo.
No fue hasta que se fue en un viaje a Europa con su familia en 1907 que comenzó a inspirarse de nuevo. Dar un paseo en la cubierta del barco, se dio cuenta de una hermosa composición de las líneas de la nave y de las personas en las cubiertas superior e inferior. Un hombre con un sombrero de paja sacó su ojo y sabía que necesitaba una fotografía. Volvió corriendo a su camarote para agarrar rápidamente su cámara esperando que el hombre no se iría. Esta fotografía, El Steerage, se ha convertido en una de las imágenes más importantes, no sólo en la carrera de Stieglitz, sino también en la historia de la fotografía. Se convirtió en un punto de inflexión, de pictorialismo a la fotografía directa. Fue un cambio en el pensamiento de que la fotografía tenía que ser utilizado de una manera determinada con el fin de demostrar su valía. Ahora había hecho eso y podría seguir adelante.
Pasando tiempo en Europa, Stieglitz se introdujo, una vez más, a los artistas que él nunca había visto antes; gente como Cezanne, Rodin, Matisse y. No entendía este trabajo, pero nunca deje que esto le impida intentar apreciarlo. Rodin forzará algunos de sus dibujos para utilizar en una nueva exposición en la galería 291 Esta fue la primera de muchas exposiciones suyas que mezclan fotografía con otras obras de arte. Había encontrado que después de sólo un corto período de tiempo que había conseguido el aprecio y el respeto por estos artistas, los post-impresionistas, los cubistas, los fauvistas. No vio ninguna diferencia entre lo que estaban haciendo y lo que él estaba tratando de hacer con su cámara.
Él tenía un gran respeto por el mundo del arte y se rodeó de no sólo los fotógrafos, sino también artistas, críticos, escritores y músicos; las personas creativas e inteligentes la mayoría de ese tiempo. Le encantaba el aspecto comunitario de ese mundo; el intercambio de ideas y la colaboración. Esta fue su inspiración para continuar desafiarse a sí mismo y su propio pensamiento. Él vio el mundo de la pintura y la escritura en constante cambio y él tenía la misma visión para la fotografía. Él incluso fue mentor de artistas jóvenes, los patrocina y exhibir su trabajo.
Otro momento decisivo para Stieglitz fue su introducción a la obra de Georgia O'Keefe. Desde su primera mirada en 1916, sabía que era importante, diciendo: "Ella ha hecho más que pintura, que ha inventado un idioma." Ellos comenzaron una correspondencia que llevó a una aventura intensa, Stieglitz dejando a su esposa, y los dos ellos con el tiempo de casarse; pasar tumultuosos treinta años viviendo juntos y por separado. O'Keefe fue el "gemelo" que había estado buscando. Ella se convirtió en su musa. Empezó a tomar retratos más, retratos de personas que se sentaron para él, así como las personas que desconocen su cámara. Estos retratos eran rectos y honestos. Él fue capaz de captar las expresiones que eran reales, que carece de cualquier tipo de pretensión planteada. También comenzó a montar su mayor cuerpo de trabajo durante su tiempo con O'Keefe. Su objetivo era crear un "retrato compuesto", un disco de una sola persona, con todos sus estados de ánimo y las expresiones, tomadas durante su vida. Tomó tomó más de 300 retratos de ella entre 1917 y 1937 tomó primeros planos de su cara, su pelo, su torso desnudo, y muchas imágenes de sus manos. Estas imágenes eran diferente a todo lo que se había visto antes. Nadie había pensado que era posible tomar un retrato expresivo que no incluía la cara del sujeto, y sin embargo, aquí fue toda una colección, y eran todos preciosos.
Durante la década de 1920, Stieglitz se trasladó a aún más la abstracción. Su madre se enfermó y murió el que le llevó a empezar a buscar algo diferente. Vio las cosas a su alrededor morir. Quería identificarme con algo más distante y menos concreto, por lo que se veía al cielo. Influenciado por Kandinsky, creó toda una serie de estas imágenes que tratan de mostrar que las formas abstractas se pueden utilizar para representar lo que nos sentimos por dentro. "¿Qué es de la mayor importancia es llevar a cabo de un momento," dijo Stieglitz, "para grabar algo tan completamente que aquellos que lo ven reviviremos un equivalente de lo que se ha expresado."
A pesar de que sufrió varios ataques al corazón, Stieglitz continuó disparar hasta 1937, cuando él era demasiado débil para continuar. Él siguió prestando apoyo a los artistas, sin embargo, hasta el día de su muerte en 1946 A lo largo de su carrera se produjo más de 2.500 fotografías terminados. Aunque él y O'Keefe había separado desde hace bastante tiempo, ella estaba con él cuando falleció, y reunió personalmente su mejor obra, la donación de una gran parte de ella a la National Gallery of Art de Washington, DC Stieglitz fue un misionero, algunos incluso lo llamó un profeta, constantemente evangelizar la causa del movimiento moderno. Él nunca fue satisfecha en el status quo, pero siempre estaba buscando la siguiente cosa, sabiendo que algo más importante estaba a punto de suceder. Incluso cuando tuvo sus éxitos, que no parecía detenerse y disfrutar de ellos, porque en su mente siempre había más. "La fotografía no es un arte. Tampoco es la pintura, ni la escultura, la literatura o la música. No son más que diferentes medios de comunicación para el individuo para expresar sus sentimientos estéticos ... Usted no tiene que ser un pintor o un escultor para ser un artista. Usted puede ser un zapatero. Usted puede ser creativo como tal. Y, si es así, usted es un artista más grande que la mayoría de los pintores cuya obra se muestra en las galerías de arte de hoy.
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